Моему учителю М. С. Кагану
| Вид материала | Документы |
- Приведены психологические причины, способствующие возникновению различных заболеваний, 2274.83kb.
- Джон Максвэлл Воспитай в себе лидера, 3540.81kb.
- В экспертную комиссию конкурса «Компьютер – учителю» Заявка на участие в республиканской, 41.22kb.
- Жизни, обучившим меня волшебной науке превращения вожделения в любовь: моей матери, 2578.05kb.
- Выражение признательности, 3176.62kb.
- Пророчество Богатого Папы Выдающемуся учителю, 22554.15kb.
- Л. Лечтер "Пророчество Богатого Папы" Выдающемуся учителю, 22558.28kb.
- Я бы не смогла написать эту книгу, если бы мои друзья не делились со мной своей личной, 2139.1kb.
- Презентация позволяет учителю иллюстрировать свой рассказ. Например, при изучении темы, 56.82kb.
- Н. О. Лосский история русской философии от автора издать большую книгу по философии, 6539.79kb.
Испания
В испанском Возрождении социальная проблематика была, в основном, перенесена на отвлеченно-моральный план. Гуманистические тенденции находили отражение не в философских теориях, а почти исключительно в поэтических образах. Широкое отражение в литературе получила религиозная идеология. Великие драматурги Лопе де Вега и Кальдерон, наряду со светскими пьесами, создавали религиозные, обрабатывали для сцены легенды и «жития святых».
В конце XV-XVI вв. происходит возрождение «рыцарского» романтизма, появляется новая мода на «рыцарские» новеллы, которая возникает сначала в Италии и Франции, а затем приобретает свою кульминацию в Испании. Это явилось следствием роста авторитарности государства, дегенерации демократической культуры и прогрессирующей «придворизации» европейской культуры вообще. Пережив век своего подъема рыцарство переживает свое второе падение. «Великие писатели своего времени Шекспир и Сервантес объяснили своим современникам, что время рыцарства закончилось и его жизненная сила обернулась фикцией. В этом отношении биография самого Сервантеса типична для той эпохи перехода о рыцарского романтизма к реализму», - считает А.Хаузер.
^ Мигель де Сервантес Сааведра (1547-1616) - автор романа «Хитроумный идальго Дон Кихот Ламанчский» (1605-1615 гг.). Произведение было задумано, прежде всего, как пародия на рыцарские романы.
Особое развитие в испанской литературе получил жанр романа, ведущий начало от средневекового романа авантюрно-героического сюжета. Социальные процессы в Испании в XVI-XVII вв. способствовали возрождению таких понятий, как рыцарская честь, военная доблесть. В образах рыцарских романов читатель узнает своих современников, мореплавателей и конкистадоров. В конце XVI века, когда завоевательная политика Испании стала терпеть крах, наступило разочарование в наивном оптимизме рыцарских романов.
В Испании художественная жизнь подчинялась строгой системе эстетических нормативов, отвечающих аскетическому духу времени. С особой силой это проявилось в судьбах культовой хоровой музыки. Ее виднейшие представители - Кристобаль Моралес (1500-1553) из Севильи и Томас Луис Виктория (ок.1550-1611) из Кастилии, ученик Палестрины, придворный вице-капельмейстер и духовник королевской семьи. Их жанрами были мессы, духовные мотеты, кантаты, псалмы, пассионы (музыка «страданий Христовых», исполнявшаяся на страстной неделе перед праздником пасхи).
Под запретом церкви находились и любимый народный танец сарабанда, и жанры песенного фольклора: романсеро (романс) и вильянсико (сельский напев) песни для голоса с аккомпанементом. Излюбленные инструменты - кастаньеты, бубен, цимбалы, чистуа (род гобоя), пятиструнная гитара, шестиструнная щипковая и смычковая виуэла (на манер лютни). Замечательными виртуозами-инструменталистами были выдающиеся композиторы того времени - слепой Мигель де Фуэнльяна, настоятель монастыря в Севилье Алонзо Мударра, виуэлисты Луис де Нарваэс и Луис Милан из Валенсии.
На грани светского и духовного искусства стояла органная музыка. Замечательным мастером испанской органной школы был Антонио Кабесон (1510-1566), слепой капельмейстер Филиппа II. Антонио Кабесон, а также его брат Хуан и сыновья Фернандо и Грегорио, славились органными обработками вокальных мелодий с вариациями.
Северное возрождение
Под «Северным Возрождением» принято понимать культуру XV-XVI вв. в странах Европы, лежащих севернее Италии (Франция, Нидерланды, Германия). Искусство в этих странах в XV веке развивалось как прямое продолжение готики, как ее внутренняя эволюция в сторону «мирского». Сплав итальянских влияний с самобытными готическим традициями составил своеобразие стиля Северного Возрождения.
^ Франция
Самым ярким представителем литературы французского Возрождения был Франсуа Рабле (1494-1553) - врач, натуралист, археолог, юрист, поэт, филолог и гениальный писатель-сатирик. Его роман «Гаргантюа и Пантагрюэль» - замечательный пример гуманистической ренессансной культуры. Значительный вклад в литературу французского Возрождения внесли поэт Пьер де Ронсар - один из величайших певцов любви и Мишель де Монтень - автор книги «Опыты», утверждавший критерием истины опыт, а высшей моральной нормой - умеренность и близость к природе.
Во Франции крупнейшим художником XV в. был придворный живописец Жан Фуке, писавший портреты, религиозные композиции и многочисленные миниатюры. Ренессансная пластика XV в. развивалась в рельефах надгробий и стелл Мишеля Коломба на античные мотивы. В XVIв. - время блестящего расцвета французского портрета как живописного, так и карандашного. В этом жанре особенно прославился Жан Клуэ - придворный художник Франциска I - увековечивший двор короля в портретной галерее. Еще дальше в развитии портрета пошел его сын Франсуа Клуэ.
Французский Ренессанс по гуманистическому духу был созвучен итальянскому и вызвал к жизни музыку, которая, устремляясь к тем же идеалам, облекалась в иную форму, обогатилась оригинальными жанрами, стилями письма и исполнения. Раньше всего, вероятно, эти черты сказались в народном песенном творчестве, особенно в патриотических песнях на военную тему. Остались от того времени и танцевальные мелодии, аранжированные для лютни, виолы и других инструментов и объединенные в сборники. Известный парижский нотопечатник XVI века Пьер Аттеньян опубликовал пять сборников «Дансерье».
К XV-XVI вв. относится возникновение новой разновидности французского песенного творчества - ноэлей. Постепенно сложились ноэли-басни, ноэли-пасторали, ноэли лирические, сатирические и другие. Ноэль сыграла важную роль в образовании центрального жанра французского музыкального Возрождения - многоголосной песни «шансон» (Жоскен Депре, Клеман Жаннекен).
Франция первой из европейских стран выдвинула теоретиков нового искусства («Арс нова») - ^ Филиппа Витрийского и Жана де Мюр. Самой видной фигурой нового искусства явился последний и величайший трувер Франции Гийом де Машо (1300-1377).
Самые трагические и кровавые страницы французской истории воплощены в аскетически строгом, безрадостном стиле гугенотских псалмов, созданных в противовес католическим песнопениям.
Нидерланды
Нидерланды - самый яркий после Италии очаг европейского искусства. Готическая архитектура Брюгге, Антверпена. Миниатюра достигла высокой ступени совершенства ( «Часослов герцога Беррийского» художников братьев Люмбургов). Любовная, прилежная, поэтическая пристальность взгляда на мир была унаследована от миниатюры большой живописью.
Крупнейшим нидерландским ученым-гуманистом начала XVI века был ^ Эразм Роттердамский (1466-1536). Он прославился своими работами, посвященными классической древности. Перевел трагедии Еврипида, предпринял издание греческого текста Евангелия с латинским переводом. Эразм пишет на латинском языке и оригинальные произведения: «Похвала глупости» и «Домашние беседы». Идеал Эразма Роттердамского - в единении природы и человека, в гуманизме; писатель-философ ощущает бессилие перед нелепостями окружающей его действительности.
В XV в. здесь начиналась бытовая живопись бюргеров (бюргера Томас Ман позже назовет «средним человеком в высоком смысле этого понятия»): Рогир ван дер Вейден, Дирк Боутс, Гуго ван дер Гус, Ян Мемлинг и др. Они преимущественно расписывали алтари, писали портреты и станковые картины по заказу. Нидерланды поэтизируют среднего человека, проявляя при его изображении пристрастие к деталям. Преобладание пантеистического начала и прямая преемственность от готики сказывается во всех компонентах стиля нидерландской живописи. Нидерландцы любят игру линий, у них нет отчетливой акцентировки центра композиции.
Художникам-братьям ван Эйк традиция приписывает изобретение техники живописи масляными красками (растительными). Их совместное произведение (окончено в 1432 г.) - Большой Гентский алтарь.
Ян ван Эйк (ок. 1390-1441) предположительно родился в Маасейке (возможно в Лимбурге). С именем Яна ван Эйка связано становление принципов Возрождения в Северной Европе. Видимо, тот факт, что ван Эйк не был знаком с античным наследием, определил своеобразие стиля художника - пристальное внимание к структуре предметного мира, к особенностям каждого предмета, пейзажной или интерьерной среды. Побывав в Испании, через год ван Эйк посетил Португалию. В 1429 г. живописец возвращается на родину и поселяется в Брюгге, где работает над «Туринско-миланским часословом», выполняя для него миниатюры. Он мастерски пишет пейзажи, пронизанные воздухом и светом. Подлинное новаторство художника проявилось в портретном жанре (в 1434 г. он пишет портрет четы Арнальфини).
^ Иеронимус Босх (ок. 1460-1516) - художник странных философских фантасмагорий. Создавал многофигурные религиозные и аллегорические композиции, картины на темы народных пословиц, поговорок и притч («Корабль дураков», «Искушение св. Антония», «Воз сена», «Блудный сын» и др.) с причудливыми фантастическими образами и деталями, полными иронии и иносказания. Изобразил в гротескно-сатирической форме жизнь людей, дав, беспощадный анализ человеческих пороков. В одном из самых грандиозных своих произведений - триптихе «Сады земных наслаждений» Босх дал гротескный образ греховной жизни общества.
^ Питер Брейгель Старший (ок. 1525-1569) в ранней юности начал работать художником. Его творческий путь пролег через Антверпен, где Брейгель готовил рисунки для популярных в то время гравюр. В этих рисунках явственно ощущается влияние Босха, некоторые сюжеты просто скопированы (видимо, по заказу граверов). По инициативе Иеронима Кока (известного и очень богатого антверпенского издателя), Брейгель отправляется в Италию (1552г.). В 1563 году художник переезжает в Брюссель. Именно здесь живописец создает свои лучшие работы, здесь складывается его стиль, принципиально отличавшийся от стиля ранних работ - на место неуемного вымысла и гротеска, со множеством фигур и затейливых деталей («Большие рыбы поедают маленьких», «Семь смертных грехов» и т.д.) приходит стремление к укрупнению живописных масс, интенсивных по цвету, к выразительности силуэтов, к широким пространственным панорамам (цикл «Времена года», «Крестьянская свадьба», «Крестьянский танец» и т.д.). Здесь же, в Брюсселе, в 1568г. создается программное полотно «Слепые», своеобразное живописное размышление о современной ему эпохе. Подобного плана работы - «Триумф смерти», «Избиение младенцев» - видимо, отклик на зверское вторжение испанцев в Нидерланды. В 1569 г. Брейгель умер в Брюсселе от тяжелой болезни легких, уже будучи довольно известным (но особой популярностью на родине он не пользовался).
Нидерландская культура породила композиторов, писавших не только церковную музыку. Величайшие мастера ^ Гийом Дюфе, Жиль Бенуа, Жоскен Депре, Генрих Изаак, Орландо Лассо, Ян Питерезен Свелинк достигли вершин искусства и в церковных и в светских жанрах. Истоки их творчества глубоко народны. Именно нидерландским мастерам принадлежат инициатива широкого внедрения народно-песенного начала в церковную музыку.
Произведения нидерландских композиторов для своего времени стали всеевропейской академией полифинического мастерства и продолжают жить в современном хоровом и органном репертуаре.
Германия
Конец XV - первая треть XVI вв. - расцвет графики и живописи. «Эпоха Дюрера»: ^ Матис Нитхард-Готхардт (Грюнсвальд), Лукас Кранах Старший, Альбрехт Альтдорфер, Ганс Больдунг (Грин), Ганс Гольбейн Младший. Их искусству присущи этически-религиозная направленность, влияние Лютера, Томаса Мюнцера, Эразма Роттердамского, господство идей Реформации, обращение к народной тематике (популярность «бытового жанра»).
Художники «Дунайской школы» утверждают пейзаж в качестве самостоятельного жанра в живописи: ^ А.Альтдорфер, В.Губер, и др. Скульпторы: Михаэль Пахер, Фейт Штосс, Бернт Нотке, Тильман Рименшнейдер - работают над росписями алтарей в Грисе, Сант-Вольфганге, Кракове, Бамберге, Любеке, Таллинне. Из мастерских этих художников выходило большое количество добротных произведений, варьирующие одни и те же типы, подчиненные одной и той же манере, многие из которых создавались коллективно и лишь небольшие вещи - самим мастером.
Немецкий художник ^ Ганс Гольбейн Младший (1497/8-1543) был близок к немецким гуманистам. Эмигрировал в Англию, где заложил основы английской школы портрета, в искусстве которого он достиг совершенства. Известный немецкий искусствовед начала XX века Вельфлин писал:»...то, что дает Гольбейн, есть в самом деле совершеннейшее искусство бытия, из которого удалены все элементы простой видимости». Гольбейн иллюстрировал знаменитую «Похвалу глупости». Он создал серию деревянных гравюр «Образы смерти». Написал знаменитый портрет Эразма Роттердамского.
^ Альбрехт Дюрер (1471-1528) - «величайший художник Нюрнберга». Дважды был в Италии («здесь - я господин, дома - дармоед», - с грустью заметил художник). Ему был присущ оптимистический взгляд на мир: «... поистине, искусство заключено в природе, кто умеет обнаружить его, тот владеет им. Если ты овладеешь им, оно освободит тебя от многих ошибок в твоей работе». Человек - главный герой его произведений, он очеловечивает даже бога («Автопортрет» 1500 года). Большое внимание он уделяет пейзажу, цветам, зверям, птицам. Вводит в искусство математический расчет и геометрическую конструкцию. В поисках единого канона человеческой фигуры рассчитал 25 типов пропорций. Пытался установить композиционные законы. Перед Дюрером-рисовальщиком стояли три основные задачи: непосредственная фиксация натуры, владение чертежом и создание художественной композиции.
^ Англия
Выразителями гуманистической культуры в Англии стали Томас Мор (1478-1538) и Вильям Шекспир (1564-1616), чье творчество связано с расцветом английской драматургии и театра.
^ Вильям Шекспир был великим выразителем идей своего времени и в то же время общечеловеческого гуманистического содержания искусства. Дарование его проявилось в различных областях. Он был значительным поэтом. Ему принадлежат поэмы «Венера и Адонис», «Лукреция», им создан цикл сонетов (всего 154). В традиционную форму сонета вложено содержание, отразившее раздумья автора о своей судьбе, о любви, о нравах, царящих в окружающем его обществе.
МАНЬЕРИЗМ
Понятие «маньеризм» как характеристика художественного стиля появилось достаточно поздно и до сих пор неоднозначно. Так, у Вазари «маньеризм» означает то же, что и просто «стиль», т.е. связан с техникой и художественной личностью. В наше время под «маньеризмом» понимается подражание, некая компиляция классики Возрождения. «Маньеризм» есть первая стилевая ориентация, когда впервые была поставлена проблема отношения между новацией и традицией.
Арнольд Хаузер отмечает два течения «маньеризма»: мистический спиритуализм Эль Греко и пантеистический натурализм Брейгеля. «Маньеризм» начинается с разрушения структуры пространства и разложения представления на различные части не только внешне, но и внутренне. Это разрушение выражается в той манере, что пропорции и тематическое значение фигур не связаны между собой рационально. Однако, общая характеристика «маньеризма» весьма затруднительна и, прежде всего, в том, что это понятие не является чисто временным. Маньеризм есть та форма, в которой художественные достижения итальянского Возрождения находят интернациональное распространение. Новый спиритуализм в его идеальных формах не отвергает телесную красоту, но обращается к изображению тела для выражения духа.
К концу XVI века в Италии холодный и интеллектуальный маньеризм уступает место чувственному и доступному понимания барокко, История «эклезиатского искусства», как его называет Хаузер, т.е. религиозного - начинается с Карраччи. Братья Карраччи трансформировали сложный символизм маньеризма в тонкую и ясную аллегорию, с которой берет свое начало источник эволюции нового образца, выраженного в фигурах. С этого момента начинается отделение светского искусства от религиозного.
Имел большой успех и оказал большое влияние на художников своего века Караваджо. Его искусство, которое уже принадлежит барокко, означало важное изменение в отношении между искусством и публикой. Конец «эстетической культуры» (А.Хаузер) начался с Возрождения, когда «формальное совершенство уже не служило оправданием ложной идеологии».
Маньеризм явился художественным выражением кризиса, который потряс всю Европу в политической, экономической и духовной жизни. Катастрофический эффект имело выступление Лютера. В 1542 году была создана инквизиция, в 1543 году установлена цензура прессы, в 1545 году создается Третейский суд.
Художественное производство было поставлено под надзор теологов, и художники, особенно работавшие в больших мастерских, должны были строго придерживаться указаний их духовных наставников. Более строго, чем в средние века, выбор художественных средств также принадлежал духовным авторитетам. Прежде всего, были запрещены произведения, созданные под влиянием ошибочных религиозных доктрин. Художники должны были придерживаться канонической формы библейской истории и официального представления догматических вопросов.
Ничто не было столь значимо для выражения духа этой эпохи, как судьба фрески Микеланджело «Страшный суд». Папа Павел IV в 1559 году поручил Даниэлю да Волтера «одеть» обнаженные фигуры фрески. Папа Пий V в 1566 году уничтожает другие непристойные, по его мнению, фрагменты фрески. Климентий VIII хотел вообще уничтожить всю фреску, но его удержала Академия св. Луки.
Художник эпохи маньеризма потерял все, что имел художник-ремесленник средневековья и художник Возрождения, уже освобожденный от ремесленничества: определенное положение в обществе, цеховая защита, договорное отношение с церковью, непроблематичное отношение с традицией. Культура индивидуализма предложила неограниченные возможности художнику, но поместила его в такие социальные условия, в которых он реально терял свою свободу.
В теории искусства произошли изменения, которые соответствовали общему интеллектуальному кризису. Натурализму, или «наивному догматизму» Возрождения маньеризм противопоставляет вопрос теории познания - проблему отношения искусства с природой. Для Возрождения природа была источником художественной формы: художник овладевал ею посредством синтеза, объединения и унификации объектов красоты, разбросанной в природе. Маньеризм отбрасывает эту теорию подражания; искусство творит согласно новой доктрине: не согласно природе, а как природа. При этом искусство имеет спонтанный духовный источник.
Доктрина, рожденная в эпоху Возрождения об индивидулизме и иррационализме художественного творчества, и, прежде всего, тезис о том, что искусство есть не то, чему обучают, а то, чему научают, о том, что художником рождаются, - обретает свою сформулированность в эпоху маньеризма и, прежде всего, у Джордано Бруно. Он говорит уже не только о свободе художественного творчества, но и об отсутствии в нем правил. «Поэзия не рождается из правил, но правила вытекают из поэзии, а таким образом существуют столько норм, сколько хороших поэтов».
Существующее противоречие между правилами и их отсутствием, между подчинением и свободой, между божественной объективностью и человеческой субъективностью, имеющие место в этой доктрине, привело к изменению самой идеи «академизма». В течении трех веков академизм определял официальную художественную политику, публичное развитие искусства, художественное образование, принципы, по которым назначались премии и стипендии, проводились выставки и критиковалось искусство.
Постепенно утверждается доктрина, которая освобождает от значимости ручного труда в мастерской и вскрывает специфическое и общее в понятии искусства. Таким образом, искусство как социальный феномен начинает преобладать над искусством как теоретическим вопросом. Вхождение художников в высшие круги общества и участие высших слоев в художественной жизни приводят, хотя и опосредованно, к исчезновению автономии художественной техники и установлению теории фундаментального единства искусства. Критика искусства в узком смысле, т.е. как объяснение художественной ценности произведения, относительно независимое от технических и философских теорий, - которая становится самостоятельной в последующей истории искусства, в своих истоках была «заповедником» художников.
Именно маньеризм приобретает интернациональный и всеобщий характер, который не имело искусство Возрождения.
Итак, культура эпохи Возрождения, представленная самыми разными национальными и региональными направлениями и школами, объединена единой идеей гуманизма, т.е. философией человека как субъекта истории. Ренессанс явился тем переходным периодом, во время которого европейские народы перешли от Средневековья к Новому времени. Здесь были заложены основные исторические тенденции последующего развития стран Европы и их культур.
^ VII. ЗАПАДНОЕВРОПЕЙСКАЯ КУЛЬТУРА XVII ВЕКА
XVII век одна из самых грандиозных эпох в истории культуры. С XVII века наметились контуры единой мировой художественной культуры, обладающей некоторыми общими чертами при определенных местных различиях. Начинается формирование новых художественных учений и течений в европейских центрах. Три стиля характерны для этого времени: барокко, классицизм, реализм. Сторонники классицизма и реализма разделились на «пуссенистов» и «рубенсистов».
Искусство барокко (термин 1880-х годов) возродило некоторые общие признаки ренессансной культуры - энергичный оптимизм, цельный взгляд на мир, приверженность к ансамблю и синтезу искусства. Барокко выработало классические типы парадных городских и парковых ансамблей, дворцов и храмов, виртуозных декоративных композиций религиозного, мифологического и аллегорического содержания, создало тип парадного портрета. Особенно характерно для барокко живописность и иллюзорность, балансирование на грани реального и воображаемого, стремление к обману глаз. В архитектуре - обилие кривых линий, овалов, волют, завитков, медальонов; формы как бы переливаются, набухают к центру; фасад не плоский, а криволинейный. В живописи - интерес к мифологии, античной истории, религиозным сюжетам, чудесам и мученичествам, где могли ярко проявиться драматизм, страсть, патетика, игра светотени, яркий колорит, свобода мазка, контрастность.
Концепция барокко. Если маньеризм как художественный стиль соответствовал чувству разъединенности, то барокко выражает гомогенный менталитет, хотя в разных странах приобретает разные формы. Одновременно с двумя, религиозной и придворной, формами барокко, существовал и натуралистический стиль, постепенно проникающий в работы многих мастеров. Становится все более сложной структура художественных стилей, сложнее становятся связи психологического содержания. Определение искусства XVII века как барокко было принято в XVIII веке, когда это искусство в сравнении со строгим классицизмом было воспринято как чрезмерно запутанное и экстравагантное.
Предпочтительным средством барокко с целью усиления ощущения пространства в глубину было использование первых планов с изображением больших фигур, как бы приближенных к зрителю, и резким уменьшением тел в перспективе, в глубину. Арнольд Хаузер назвал стиль барокко «кинематографическим», так как изображенные события кажутся подстереженными и выслеженными, все представленно как будто случайное, при этой мимолетности отсутствует ясность представления. Вместе со стремлением выразить новое, трудное и сложное для восприятия, присутствует также намерение разбудить в зрителе ощущение неисчерпаемости, недостижимости, бесконечности представления.
Это новое искусство было связано с открытиями естествознания и, прежде всего, с доктриной Коперника, установившего, что Земля вертится вокруг Солнца, что означало, что человек перестал быть смыслом и целью творения. Человек превратился в маленький и незначительный факт в новом мире, с которого были сняты чары. Но вместе с этим появилась вера человека в себя самого и чувство гордости. Вместо древнего антропоцентрического мира появилось космическое сознание бесконечной взаимозависимости, включающей человека и последствия его действий. Произведение искусства становится живым и единым организмом во всех его частях символом Вселенной.
Италия
Родина барокко - Италия. «Вечный город» Рим - в значительной мере город барокко. Множество обелисков, с их динамичной целеустремленностью, множество фонтанов, обильно украшенных скульптурой, пышный, богатый декор дворцов, церквей, вилл с богатыми садово-парковыми ансамблями - все это появилось в Риме уже в конце XVI столетия.
Все больше проявляется аристократический дух искусства церкви. Несмотря на желание оказывать влияние на широкую публику, произведение искусства должно было завоевывать зрителя языком избранным и возвышенным. Барокко символизировало стремление к миру, устойчивости и компромиссу. Рим стремится стать уже не только резиденцией Папы, но и столицей христианского мира, поэтому его искусство приобретает помпезный и грандиозный, «придворный» характер.
Италия на рубеже XVI-XVII веков вновь становится ведущим центром художественного развития, а Рим с конца 90-х годов XVI в. - художественной столицей Европы. В архитектуре господствует барокко. Большую роль играет церковное строительство. Мастера барокко искали в ордере не конструктивную логику, а декоративную выразительность. Пространственность - как взаимодействие архитектурного объема с внешней средой и как особенность трактовки самой архитектурной формы составляет специфическую черту архитектуры итальянского барокко, которая как бы «втягивает» человека в свое пространство. Итальянские мастера прибегали к различным приемам, чтобы добиться иллюзии реального существования «фиктивного» пространства. Пространство интерьера динамизируется, усложняется, обогащается пластическими контрастами.
Архитектура Италии XVI-XVII веков представлена наиболее характерно работами ^ Франческо Боромини (1599-1667), Дж.Лоренцо Бернини (1598-1680), Гварино Гварини (1624-1683). В светской архитектуре на первый план выступают парадное великолепие и величавость. Широкое распространение среди знати приобретает строительство загородных резиденций (виллы вокруг Рима). Итальянские парки, улицы становятся архитектурными ансамблями (пл. св. Петра в Риме). «Трехлучевая» планировка площадей становится характерной для итальянских городов.
Итальянская архитектура барокко оказала сильное влияние на Европу. Ее подчеркнутая особенность - обращение к зрителю. Барочная скульптура (декоративная пластика, алтари, надгробия, статуи) была связана с архитектурным ансамблем.
В то время в Италии господствовали два художественных направления: болонский академизм (1585 г. была создана «Академия идущих по правильному пути»), нашедший свое утверждение, прежде всего, в мастерской братьев Карраччи, и «караваджизм» по имени Микеланджело Меризи («Караваджо») (1573-1610) - его искусство признавало эстетическую ценность реальной действительности.
Метод Караваджо был антиподом академизму, отсюда обращение к необычным персонажам, вроде картежников, шулеров, гадалок, разного рода авантюристов, изображениями которых было положено начало бытовой живописи реалистического духа. Центральным звеном его образного и композиционного решения был свет. У него сильная лепка формы, он накладывает краску большими, широкими плоскостями, выхватывая из мрака светом наиболее важные части композиции. Эта резкая светотень, контрастность световых пятен создает атмосферу внутренней напряженности, драматизма и большой искренности. Караваджо одевает своих героев в современные одежды, помещает в простую, знакомую зрителям обстановку. Такими являются его знаменитые картины «Обращение св. Павла», «Призвание апостола Матфея», «Успение Марии» и др.
Италия стала родиной оперы. Корни этого музыкально-драматического жанра были непосредственно подготовлены формами светского музицирования предшествующего века. Первая опера «Дафна», созданная флорентийским поэтом Оттавио Ринуччини (1562-1621) и музыкантом Якопо Пери (1561-1633), не сохранилась. Первой из дошедших до нас опер была «Эвридика» тех же авторов на сюжет античного мифа об Орфее. Музыкальной основой оперы стала одноголосная мелодическая декламация (речитатив).
Другим центром ранней итальянской оперы считался Рим. Семейство Барберини, состоявшее в близком родстве с папой римским Урбаном VIII, в собственном дворце устроили оперный зал, вмещавший три тысячи человек. В сюжетах римской оперной школы пропагандировались идеи христианской религии. Постанонвки отличались роскошью и новизной театральных эффектов. Типичным является творчество Стефано Ланди (ок. 1590 - ок. 1655). Его опера «Св.Алексей», поставленная в театре Барберини в 1632 году, имела шумный успех.
Выдающимся явлением в истории музыкальной культуры XVII века было творчество великого итальянского композитора ^ Клаудио Монтеверди (1567-1643). Из многочисленных произведений сохранилось немногое: оперы «Орфей» (1607), «Возвращение Улисса» (1641), «Коронация Поппеи» (1642), сборник мадригалов (1638), отрывок «Плач Ариадны» в виде пятиголосного мадригала из оперы «Аридна» (1608). Композитор считал, что слово, поэтическая речь должны определять характер мелодии: «Устраните слово, и как тело без души, так музыка утратит наиболее важную, наиболее существенную свою принадлежность».
К середине XVII века центр оперного искусства переместился в Венецию. В отличие от флорентийской и римской оперы - детища меценатов и знатных патрициев - в Венеции она «переселяется» в городские общедоступные театры. Открытие первого публичного театра произошло в Сан-Касьяно в 1637 году. Бывали периоды, когда в Венеции одновременно функционироло 8 оперных театров, которые ставили по несколько новых произведений в год. Среди композиторов выделяются: Франческо Кавалли (1602-1676), демократизировавший музыкальный язык обращением к народному искусству, но сохранивший высокий драматический стиль Монтеверди, и Марко Антонио Чести (1623-1669), создавший тип парадной оперы с пышными театральными эффектами, повернувший от музыкальной драмы к опере «для виртуозов», «опере-концерту».
Последняя треть XVII века - расцвет неаполитанской оперы. Разработанные неаполитанскими композиторами принципы оперной драматургии становятся универсальными, отождествляются с общенациональным типом итальянской оперы «сериа» («серьезной», обращавшейся исключительно к мифологическим и историческим сюжетам). Блестящие виртуозы-вокалисты, питомцы консерваторий, во главе с сопранистами (певцами-кастратами) на весь мир разнесли славу итальянского «прекрасного пения». Самый значительный композитор того времени - Александро Скарлатти (1660-1725). Его оперы «узаконили» трехчастное строение арии («да капо»), размежевание речитатива и арии: речитатив ведет действие, в ариях передаются лирические переживания. Известные оперы композитора: «Причуды любви», «Коринфский пастух», «Великий Тамерлан», «Сципион в Испании» и др.
В XVII веке инструментальная музыка стала самостоятельной областью творчества, усилился рост бытового и концертного музицирования, параллельно развивается полифиническая (многоголосие с равнозначными мелодическим линиями) музыка и гомофонная (многоголосие с господством одной мелодической линии). В первой половине этого столетия достигла своего зенита органная школа во главе с Джироламо Фрескобальди (1583-1643), органистом собора св.Петра в Риме.
Со второй половины ведущая роль принадлежит скрипке. Замечательные мастера Кремоны ^ Николо Амати (1596-1684), Антонио Страдивари (1644-1737), семья Гварнери довели искусство создания смычковых инструментов до совершенства, какое впоследствии не было достигнуто. Величайший скрипач-виртуоз и композитор XVII века Арканджело Корелли (1653-1713), творчество которого было безоговорочно признано при жизни.