Geum.ru

Особенности художественного проектного мышления

Вид материалаДокументы
Подобный материал:

МАРТЫНОВА Н.В.,

к.п.н., доцент ФИИД, ДВГГУ


К ВОПРОСУ ОБ ОСОБЕННОСТЯХ ХУДОЖЕСТВЕННОГО ПРОЕКТНОГО МЫШЛЕНИЯ И ПРОЕКТНОЙ ГРАФИКЕ ДИЗАЙНЕРА


Основные аспекты:

Особенности художественного проектного мышления.

Содержание художественной деятельности дизайнера, формирование специфичного художественного и проектного мышления, связанного с осознанием ограничений, накладываемых на творческий поиск, со стороны потребительского рынка.


Проектная деятельность и овеществленный результат этой деятельности дизайн пронизывают все сферы жизни современного общества. В наше время неологизм «дизайн» благодаря своей расплывчатости содержания, относительно новизне и таинственности для публики и как бы причастности к мировой культуре не только распространился на новые виды художественного проектирования (WEB - дизайн, световой дизайн и др.), но и во многих случаях вытесняет давно сложившиеся. Так, в итоге успешного освоения населением нескольких слов английского языка дизайн костюма заменил российское понятие – моделирование одежды, дизайн среды заменил, в частности, садовую архитектуру и архитектуру малых форм, дизайн витрины и интерьера – оформление и декорацию, графический дизайн – промышленную графику и упаковку, а также художественное оформление книги и т.п. примеры.

Существовавшие всегда Кутюрье, модельеры, декораторы, верстальщики и многие другие профессии унифицировались и встали в строй дизайнеров. Вообще говоря, дизайн как вид художественной деятельности в жизни человека присутствовал в разных его проявлениях всегда и везде. Но массовым явлением он стал именно в наше время, в постиндустриальную эпоху. Когда материальные потребности определенной части общества уже удовлетворены, на первый план выступают эстетические потребности. Практически каждый человек, выбирая мебель, обустраивая свое жилище, или подбирая галстук к рубашке и костюму, или женщина, выбирая шляпку и сумочку к платью, по существу занимаются самодеятельным интуитивным дизайном.

Такого рода занятие основано на врожденном и приобретенном чувстве вкуса и направлено на удовлетворение эстетических потребностей одного человека. Вместе с тем экономической целью промышленного производства товаров широкого потребления является выпуск предметов и создание обстановки, привлекательной для множества людей. Эта цель и вызывает необходимость профессиональной деятельности, направленной на создание и преобразование предметного окружения людей, с целью вызывать ощущение эстетической удовлетворенности многих. Дизайн связывает эстетические и потребительские качества предметов с их оптимальной структурой и технологией изготовления. В каждом предмете и композиции предметов совмещаются два основных свойства – утилитарность и художественность.

Дизайнер создает новые зрительно воспринимаемые и предметно осязаемые формы на основе четкого представления о сущности и особенностях работы тех материальных носителей, которые порождают художественные образы. Свойства материалов и предметов возводятся дизайнером на уровень выразительных свойств, составляющих, материально-эмоциональный компонент результата проектной деятельности дизайнера. Дизайнер преследует цель с помощью формы, композиции, цвета наполнить окружающий мир смыслами, символами и ценностями, выраженными в художественном образе. В художественном образе реальный предмет имеет двойственный смысл: он тождественен самому себе, но имеет также вторую жизнь, сознательно организуемую дизайнером. Главная сила художественного образа заключается в том, что он вызывает сравнения, воспоминания, переживания, которые индивидуальны для каждого потребителя.

Современные произведения дизайна уже приобретают самостоятельную художественную ценность, поскольку дизайн как творческая деятельность синтезирует в себе и технические и художественные аспекты. Взаимодействие художественного и утилитарного – один из главных вопросов дизайна.

Художник, выполняющий социальный заказ или творящий без какого-либо внешнего принуждения, властен над создаваемым произведением только в процессе творчества. В творчестве преобладает личная инициатива, воля, желание, умение и способности художника. Законченное же произведение, если оно включается в общественную жизнь, приобретает независимую от него самостоятельность.

И дизайнер, и потребитель принадлежат одному обществу, одной социальной культуре. Эта культура совмещает творческую индивидуальность, художественный вкус, самобытность автора произведения и готовность широкого слоя потребителей к образной интерпретации этого произведения.

Проблема индивидуальности художника-творца в дизайне, имеет особую специфику, обусловленную прикладным характером промышленного конструирования и массового производства продуктов дизайна, наличием множества объектов, подверженностью влияния моды, вкуса заказчика. Дизайнер в большей степени не свободен, ограничен в своих действиях, нежели художник другого профиля. В этом состоит внутреннее противоречие дизайна. Рынок заставляет дизайнера ограничить свои творческие изыскания, ориентироваться на некий стандарт, усредненные решения, апробированные формы, зарекомендовавшие себя на рынке.

И все же дизайнер может идти наперекор порой невзыскательному вкусу заказчика и потребителя. Современный дизайнер должен преодолевать шаблонные, стереотипные взгляды, противиться установившимся стилям и направлениям. В этом он может зайти настолько далеко, насколько ему позволят талант, творческая индивидуальность, способность творить НОВОЕ. Формировать общественные вкусы, реализовывать все возрастающую роль дизайна может только яркая творческая личность, не зависящая от моды, вкусов, пристрастий заказчика, способная вести за собой.

Произведения дизайна своей эстетической выразительностью форм украшают и облагораживают жизнь, становясь новой художественной реальностью, обладающей материальной культурой и духовной ценностью для человека и общества. Когда дизайном занимается ТВОРЕЦ, имеющий свой стиль, элементы дизайна приобретают самоценное значение. Произведения дизайна своей эстетической выразительностью форм украшают и облагораживают жизнь, становясь новой художественной реальностью обладающей материальной и духовной ценностью для человека и общества.

Природное стремление человека к самоутверждению в природе порождает в обществе специфические родовые установки, которые можно назвать генеральными установками на искусство. На ранних этапах своего развития искусство не существовало в качестве самостоятельной формы человеческой деятельности. Оно имело, прежде всего, функцию формообразующего элемента материально-предметного творчества. В результате развития своей трудовой способности, познания окружающего мира, расширения и углубления контроля над ним, человек освободился от необходимости в утилитарно-направленной деятельности. Искусство, высвобождаясь от непосредственной слитности с практикой, выделилось в самостоятельную форму творчества в соответствии с определенными эстетическими идеалами, то есть по законам красоты, и приобрело способность к саморазвитию. Расширение художественной практики нашло свое выражение в видовой и жанровой динамике искусства. Основным предназначением искусства стало эстетическое переосмысление познанной действительности.

В искусстве человек создает новое, идеальное творение, не существующее в реальном мире. Искусство с его способностью к эстетическому преобразованию любой действительности выступает связующим звеном между материальным и идеальным. Именно это во многом определяет статус художественной деятельности. Ведущей функцией такой специальной формы творчества стало эстетическое наслаждение. Но цель создания красоты не выходит за пределы самого этого процесса. Относительно самоцельное существование искусства свидетельствует о развитии способности человека к художественному осмыслению мира, созданию культурного идеала, который присутствовал ранее и присутствует сегодня в разных областях художественно-эстетической культуры. Мир искусства является моделью действительности и вбирает в себя все характерности реального мира. Выделение искусства в специальную самостоятельную форму общественной деятельности является принципиально важным завоеванием человеческой цивилизации.

Искусство есть не мышление само по себе. Это осознанное чувство, мысль, выраженная через чувства. Художественное мышление представляет собой развитие способности человека к формированию материи по законам красоты. Любой человек наряду с обыденным и в разной степени развитым религиозным, научным, игровым и др. мышлением, обладает художественным мышлением. Художественное мышление наряду с понятийным, логическим мышлением, является результатом совершенствования прирожденного образного мышления, которое в своем первозданном виде представляет собой наведение связей между природой и обществом.

Отличительной чертой художественного мышления является развитое восприятие воображения, которое становится источником развития художественно-творческих способностей личности. Эстетическое и художественное восприятия относятся к базовым способностям в любой художественной деятельности. Искусство начинается с чувственного восприятия окружающего мира художником и заканчивается восприятием его творения зрителем. Акт творчества всегда уникален и неповторим, а восприятие универсально. Ценность бытия является предметом художественного познания.

Проектная деятельность, пронизывающая все сферы человеческого сознания и бытия, опирается на особый тип и особую культуру мышления. В первую очередь, процесс художественного проектирования базируется на интенсивном и сознательном использовании приобретенной способности к универсальному художественному мышлению. Разделение мышления на понятийное, логическое и художественное основано на том, что каждое имеет свой принцип взаимодействия отражающего, познавательного и преображающего, созидательное начало в известной мере условно.

Существует наличие у каждой из обособившихся форм сознания функции другой. В этом и коренится специфика художественного мышления дизайнера. Наложение норм традиционного художественного мышления на нормы проектного мышления составляет субъективно-творческую основу художественного проектирования. Оно превращает объект проектирования в тему эстетического творчества. Любая форма, созданная дизайнером, имеет художественный смысл, так как внешний мир в изделии выступает не как реальность, а как одухотворенность. Тем самым проектное мышление приобретает черты художественной объективности, присущей явлениям искусства.

Творческая индивидуальность дизайнера, проявляющаяся в художественном проектном творчестве, ограничивается не только эстетическими и этическими рамками.

Дополнительные дисциплинирующие ограничения на его художественное проектное мышление накладывают ценностные творческие установки проектной деятельности, связанные с его социальной ответственностью и жесткими технологическими установками. В индивидуальной творческой личности дизайнера реализуется способность критически оценивать окружающую действительность, остро реагировать на нужды общества в профессиональной области, осознавать социальную значимость своей профессии. Ему присуще, прежде всего, точное ощущение культурной среды, контекста существования объекта.

Проектная дизайнерская деятельность объединяет разные виды человеческой деятельности и разные области знаний для решения поставленной цели – выполнения проектной задачи. С этим связаны и особенности проектного мышления дизайнера, проявляющаяся в способности создавать новую реальность на стыке сфер деятельности и областей знаний.

Современный дизайн – это творческая философия, которая не столько отражает общественное сознание, сколько формирует его.

В основе человеческой сущности лежит желание выразить в камне, дереве, глине, утилитарной вещи свое отношение к внешнему окружению и, в первую очередь, отразить сходство с каким-либо явлением. Это желание является основой для понимания проблемы художественно-семантического осмысления предметного мира.

В искусстве полностью выразить множество его признаков и сторон невозможно. Отмечаются лишь наиболее важные признаки, зачастую немногими линиями, обобщенными фигурами, что упрощает форму предмета и помогает верно, передать основное и узнаваемое зрителем. Отдельные внешние признаки или вся система признаков выступают в роли сигналов. Сознание в первый миг воспринимает предмет только в целом по самым заметным признакам и лишь поэтому различает и узнает обобщенную форму. Для выражения в форме изделия природных явлений дизайнеру необходимо представлять в своем воображении характерные внешние признаки человека, флоры, фауны и др. В разработанном дизайнерском объекте могут быть в особом знаковом выражении сконцентрированы характерные черты какого-либо другого предмета: бытовой вещи, архитектурного сооружения, дерева, воды, земли, овощей, фруктов, животных, людей. В дизайне важен первый миг восприятия, так как утилитарный предмет не предназначен для подробного изображения внешнего мира. ЗНАК бывает предельно лаконичным, еле узнаваемым. Можно сократить информационную емкость до предела, приведя схему изображения к двум-трем геометрическим фигурам при этом опознать изображаемый объект. Поэтому восприятие не лишено творчества. Дизайнер говорит на языке метафор, поскольку они устанавливают сходство одного предмета с другим. Именно поэтому конструктивно-пространственное и образно-пластическое мышление дизайнера нуждается в умении свободно, по представлению и воображению изображать графически любую пространственную форму.

Универсальными для всех видов искусства художественными средствами являются ТРОПЫ. Троп в переводе с греческого языка означает «перенос, иносказание». К тропам относится метафора (с разновидностями - олицетворением, метаморфозой), аллегория, символ, метонимия, синонимия и омонимия. Смысл всех этих тропов отражает проблему художественного языка в дизайне.

Метафора – троп, основанный на принципе сходства с каким либо предметом или явлением окружающего мира. В метафоре выделяются два аспекта. Предметный, когда реалии посредством метафоры образуют «предметные пары», у которых общим признаком могут быть цвет, форма, бионическое сходство с природой, и ассоциативный, когда метафора вызывает ассоциацию представлений, относящихся к разным видам восприятия (зрительному, слуховому, вкусовому и т.п.). В метафоре свойства одного предмета (явления или аспекта бытия) переносятся на свойства другого предмета, употребляются предметы или явления по сходству или контрасту.

К разновидностям метафоры отнесены олицетворение – перенесение на объекты дизайна черт живого существа и метаморфоза – превращение, преобразование чего-либо. Сфинкс, русалка, кентавр, минотавр и другие персонажи есть метафорическое превращение метаморфизма.

Аллегория означает иносказание. Аллегория в дизайне выражает отвлеченные понятия в форме ассоциативно близких образов и предметов.

Знак (символ) превращается в реальный полезный предмет. Дизайнер стремится к предметной реализации утраченного или недостающего смысла. В аллегории присутствуют два плана: образно-предметный и смысловой, но именно смысловой план первичен. Образ фиксирует какую-либо заданную мысль. Аллегорический прием требует вполне определенного уподобления двух мотивов: символа и вещи.

Символ представляет собой знак опознавательную примету. Символ – это образ с минимальной степенью обобщенности и экспрессии. Символический прием в дизайне используется тогда, когда нужно в сжатой лаконичной форме выразить очень широкий смысл социально-культурных потребностей. Символ – это связь человека через вещь с ценностно-смысловым миром. Например, детский конструктор для сложно-ролевых игр позволяет ребенку создавать символическую среду, насыщенную самыми разными смыслами («корабль», «пещера», «магазин», «берег моря», «крепость» и т.п.)

В основе метонимии лежит достраивание целостности. Метонимический образ – это второе рождение вещи, ее смысловая трансформация, переименование общепринятого. Примером такого формообразования являются многофункциональные системы, позволяющие из определенного состава элементов производить изделия различного функционального назначения: кухонный комбайн, сельскохозяйственная машина, фотографическое устройство и т.д., основанные на базовости, блочности, модульности, агрегатируемости.

Синонимия выражает равнозначность, сопоставление. Синонимия – это замена одной знаковой формы, связанной в прототипе тем или иным материалом с другой. Применение синонимии прослеживается, например, в формообразовании машин и приборов 19 века, в которых отражается архитектурный стиль.

Омонимия выражает противопоставление. Омонимия применяется дизайнером, когда он подавляет формальное выражение функции, заключая ее в анонимную оболочку. Предметы как бы подражают друг другу, и поэтому легко перестраиваются, комбинируются и перемещаются в пространстве.

Наиболее значимым в художественном осмыслении объекта дизайна является метафорический способ художественного мышления, так как в нем наиболее ярко отражается сходство с явлением природы, особенно с человеком. Люди давно поняли, что производимые ими вещи приобретают необходимую прочность и устойчивость, если они сформированы по законам природы. Метафорическое осмысление вещей – один из ключевых аспектов дизайна. С ним связано формирование ядра художественного образа и тех качеств, которые позволяют судить о творческом вкладе дизайнера в предметную культуру, в среду жизнедеятельности людей.

Дизайнерский способ мышления характеризуется, прежде всего, эстетикой индустриализации, т.е. высокой оценкой формы, которую позволяет выполнить современная технология. Изучение природных форм обогащает знанием и пониманием конструктивных построений, структурных связей, пластики и механики (производимых действий) биологического объекта. Обращение к закономерностям природного формообразования и структурообразования как образцам высокой степени экономии материала, рациональности его организации, переосмысление их через призму композиционных приемов и законов художественного творчества открывает пути для дальнейших поисков нетрадиционных решений и находок в проектном творчестве. Именно по пути перехода от натурных зарисовок через анализ природной формы к абстрактно-ассоциативному образу и созданию эскизного дизайнерского проекта идет поиск новых объектов дизайна. Дизайн переосмысливает на интуитивном и ассоциативном уровне природные формы и дает им вместе с композиционными приемами, светом, цветом, текстурой новую жизнь.

В биодизайне проявляются два направления. Первое – прямое подражание природным формам, стремление к факсимильному сходству, без учета структуры, когда изделие прямо напоминает внешние черты живых существ. Второе направление – сознательное применение законов, выведенных из структуры природных форм, называемое бионическим подходом. Концепция бионики базируется на идее органичности жизни во всех ее проявлениях и на утверждении того, что природа не знает прямых линий. В силу ряда конструктивных и функциональных сложностей в дизайнерском проектировании прямое заимствование природных форм не возможно, либо нецелесообразно. В промышленном изделии абсурдно повторять какого-либо природного организма. Она должна быть максимально лаконичной, но вместе с тем чрезвычайно выразительной. Поэтому уместно упрощение природных формообразований и использование метафор, что создает эффект художественного образа с известной долей условности, присущей техническим изделиям. Здесь необходима особая пластическая культура формообразования. Которая рассчитана не на факсимильное сходство изделия с каким-либо природным объектом, а лишь на вызов ассоциации «проектирование позитивного воздействия вещи на человека»

Художественное проектное мышление формируется и развивается в процессе систематического художественного образования проектно-дизайнерской направленности, которое стимулирует творческий потенциал и развивает у будущих специалистов чувство социальной ответственности наряду с умением самостоятельно отбирать и осваивать те или иные ценности культуры и нравственности.

Формирование творческой индивидуальности в процессе обучения, являющееся для всех творческих профессий наиболее сложной проблемой профессиональной подготовки, для художника-дизайнера приобретает особую важность в сете требующих разрешения внутренних противоречий дизайна.

Основы образовательных технологий, заложенные в пропедевтических курсах БАУХАУЗа и ВХУТЕМАСа/ВХУТЕИНа и сегодня актуальны, а обозначенный ими процесс схематизации, формализации и концептуализации – представляет собой фундамент формирования и развития проектного мышления в целом на современном этапе дизайн - образования. Содержание пропедевтических курсов отчасти дополнилось и усовершенствовалось школами разных стран мира за последние годы, но остался неизменным подход к формированию проектного мышления. Суть которого – формализация художественно-пластического языка, умение преобразовывать некое идеализированное мысленное представление в ясную проектную модель.

Первый шаг формирования предмета проектирования - непроизвольное включение заданного объекта в систему художественного мышления дизайнера. Оно основывается на общекультурных и специализированных знаниях и характеризуется утонченным восприятием окружающего мира, способностью к субъективному обобщению. Смысл проектного мышления – делать проектное преобразование предметной реальности, а не изобразительное уподобление ей.

Индивидуальность проектировщика формируется. Если он осознает систему мышления, в которую он включается. Осознанность снимает обычное для художественного сознания отождествление с одной из систем мышления и освобождает дизайнера от следования какой-либо определенной художественной модели мира, дает свободу использования многих существующих моделей. Дизайнер, получая высшее художественное образование, приобретает специализацию, в частности – графический дизайн, промышленный дизайн, дизайн среды и т.д. и зачастую его практическая деятельность связана в первую очередь, с владением средствами выражения своих проектных идей.

С греческого языка «графо» означает - пишу, черчу, рисую. С древнейших времен графическое обобщение было самым простым и удобным видом связи между людьми. Первобытные люди, отображали события своей жизни, в наскальных рисунках, используя различные техники начертания (вырубание, выдавливание, вырезание, рисование, писание, печатание и т.п.) не могли бы даже предположить, что много позже, использование совокупности средств обобщения в рамках своей цивилизации древние греки назовут графикой. Человечество на протяжении многих веков будет пользоваться этим термином, вкладывая в него все новый и новый смысл.

Первоначально этот термин применялся лишь к письму и каллиграфии. Человечество прошло долгий путь от рисунчатого (пиктографического) письма до идеографического и буквенно-звукового. Одна из идеографических систем – система китайского письма зародилась свыше четырех тысячелетий тому назад и несмотря на ряд изменений в форме начертаний иероглифов используется до настоящего времени. В 17 веке до н.э. на Синайском полуострове появился первый алфавит (с буквами-звуками). Со временем народы стали создавать свои алфавиты с учетом национальных особенностей своей речи. В 9 веке братья-монахи Кирилл и Мефодий, получившие образование в Греции, разработали на основе византийского письма славянскую азбуку.

Впоследствии термин «графика» наряду определением понятия способа изображения приобрел смысл обозначение сферы применения. Он распространился на сферу пространственных искусств. Графика определилась как искусство, в основе которого лежит линия, или искусство черного и белого. Набор выразительных средств графики в дальнейшем был расширен, в первую очередь, за счет штриха-линии проведенной одним движением руки.

Графика в настоящее время понимается как искусство изображения предметов контурными линиями и штрихами. Иногда в графике допускается применение цветных пятен. Штрихи в зависимости от его направления, толщины и очертания могут выглядеть как отдельные линии или сливаться в сплошное пятно. Различными сочетаниями выразительных графических средств могут быть переданы объемно-пластические и пространственные свойства объектов, характеристика среды и.т.д. Статус вида изобразительного искусства приобрела станковая графика. Станковая графика включает в себя рисунок и печатную графику, возможности которой открылись с развитием полиграфии. Наиболее древний вид графического искусства – рисунок, истоки которого можно видеть в первобытных наскальных изображениях и античной вазописи, где основу изображения составляет линия и силуэт.

Рисунок – искусство художественной графики, основанное на технических средствах и возможностях рисования. Он является основным разделом графики и может выполняться как самостоятельное по значению (станковое) художественное произведение или служить вспомогательным материалом для создания графических, живописных, реже скульптурных произведений. Рисунок лежит в основе всех видов художественного изображения, выполняемого от руки, на плоскости (графика, живопись, рельеф). Существуют многочисленные разновидности рисунка, различающиеся по методам рисования, темам и жанрам, назначению, технике и характеру исполнения. Станковая графика, начиная с эпохи Возрождения, тяготеет к традиционным жанрам изобразительного искусства – к тематической композиции, портрету, пейзажу, натюрморту. Ей свойственны тщательность объемно-пространственного построения, выявление структуры предмета. По отношению к произведениям живописи рисунок составляет начальную стадию их выполнения и играет важнейшую роль в определении очертаний, формы, объемов предметов и расположения их в пространстве. Для условного обозначения предмета предназначена подготовительная графика: эскиз, набросок, зарисовка. Незаконченность и лаконизм могут служить одним из главных средств выразительности.

В восточных культурах традиционный вид графического искусства – начертание иероглифов. К искусству графики отнесен предварительный этап подготовки издания в полиграфии.

Печатная графика основывается на искусстве рисунка, но обладает собственными изобразительными средствами и выразительными возможностями, обусловленными работой в материале (дерево, металл, камень, линолеум). Гравюра в Китае упоминается с 6 века, а в Европе в Средние века. В зависимости от сферы применения и содержания произведения произошло деление на книжную, прикладную графику и плакат. Книжная графика включает в себя рисованные иллюстрации, образно истолковывающие литературные произведения, шрифты, общее конструирование и оформление книги. К прикладной художественной графике причислены графические работы, считающиеся утилитарными: денежные знаки, почтовая графика (марки, конверты, открытки) и промышленная графика. Прикладная и промышленная графика вносит художественное начало в оформление массовой печатной продукции.

Промышленной считается графика, используемая в сфере сбыта промышленной продукции (товарные этикетки, ярлыки, упаковка, издательские марки, рекламные издания – каталоги, буклеты, проспекты и др.). К промышленной графике также отнесены фирменные знаки, логотипы, бланки, конверты и другие печатные изделия, ныне определяемые как фирменный стиль. Промышленная графика происходит от клейм и торговых марок, известных с глубокой древности. Промышленная графика окончательно сложилась в конце 19 века, к этому же времени относятся попытки создания единого фирменного стиля. Стилевое развитие промграфики тесно связано с общим развитием пространственных искусств. В конце 19 – начале 20 века характерное для модерна стремление эстетически облагородить окружающую человека предметную среду обусловило бурное развитие промграфики в рамках стиля. В 1920-е годы в промграфике проявилось влияние функционализма, а в 1930-40-е годы нередко сильны были эклектические тенденции. В произведениях современной промграфики одинаково важную роль играют шрифты, орнамент, различные рисованные (преимущественно символического характера) и фотографические изображения, цветовые и полиграфические решения. Современная промграфика часто включается в систему художественного конструирования (дизайн-графика) в качестве одной из составных частей комплексного проекта.

Относительно молодая область графики – плакат, который в современных формах сложился в 19 веке как вид торговой и театральной рекламы. Это простое, лаконичное, экспрессивное изображение, рассчитанное на всеобщее внимание и мгновенное восприятие. Он должен быть броским и быстро запоминающимся.

Особое место в художественном творчестве занимает проектная графика. Ее предметной сферой применения стало проектирование (от латинского «project us») , буквально переводится, как «брошенный вперед», процесс создания проекта – прообраза предполагаемого объекта. Применительно к новым видам и образцам промышленности процесс проектирования назван «конструированием» Только результаты отдельных этапов сохранили свое наименование проектов – аванпроект, техпроет и т.п.)

Изображения проектируемых предметов появляются во времена Возрождения. Ряд рисунков (большей частью перспективных), эскизные наброски различных машин и приспособлений оставил после себя Леонардо Да Винчи. Это были изображения не уже существующих предметов, а их проекты в истинном смысле слова. Универсальным проектировщиком был Альбрехт Дюрер. Сохранились его эскизы костюмов для придворных, проекты ювелирных украшений, фонтанов, кубков, мебели, карет. Проектировал он и празднества – убранства процессий и триумфальные арки. В те времена проектировались только уникальные изделия. Массовая продукция изготавливалась по традиционным образцам. Отделение проекта от его дальнейшего воплощения повлекло за собой формирование проектной графики, тесно связанной с изобразительным искусством того времени. В первую очередь это проявилось в архитектуре. Особенно плодотворным в области проектной графики считается период классицизма. Кроме уникальных перспектив, художественный характер приобрели и ортогональные проекции. Рельефная моделировка архитектурных объемов, четкое распределение и дифференциация пространственных планов дополнялись подробным ландшафтным рисунком пейзажа и изображениями людей. В середине 18 века возник даже особый вид графического или живописного искусства – архитектурный чертеж для полследующего выполнения его в натуре.

Выдающимся мастером этого жанра можно назвать итальянского художника и архитектора Джованни Баттиста Пиранези, создавшего несколько серий тематических архитектурных композиций, отнюдь не предназначенных для реального осуществления. В русском искусстве допетровской поры изображения зданий и различных предметов выполнялись в русле иконописных традиций и были связаны с миропониманием человека той эпохи. В проектной графике послепетровской поры кроме изображения архитектурных объектов, встречаются проекты триумфальных арок, планировки садов и парков, фонтанов, садовых ваз и др. Несмотря на их утилитарное предназначение, в чертежах неизменно присутствовало художественное начало. Почти везде проектируемый предмет изображен на фоне пейзажа, рядов стилизованных деревьев, домов, тщательно вписанного рельефа местности. Для большинства проектов характерны законченность композиции, их украшают изысканные надписи, нередко заключенные в затейливые картуши. Высокий художественный и исполнительский уровень проектной графики в области инженерии и техники в самом широком смысле этого слова стал в \России традиционным и перешагнул рубеж 19 века.

С середины 19 века резко обозначилось разграничение проектирования и реального строительства, а также связанное с ним разграничение архитектурного и инженерного проектирования. Отличительной особенностью проектной графики стали жесткость и геометричность контуров, скрупулезная проработка форм. Эклектичность сочеталась с безусловной унификацией. Индивидуальный почерк приобрел первостепенное значение в период модерна, хотя тогда общий стилевой характер прослеживался в достаточной степени отчетливо. Появился новый способ подачи проекта, ставшего скорее рисованным, чем вычерченным. Вертикальные и горизонтальные линии проводились большей частью не по линейке и угольнику, а от руки. Чертеж слегка подкрашивался акварелью. Характерной графикой отличались распространенные в то время проекты в духе русской старины (работы Щусева, Малютина и др.). Вместо традиционной лессировочной заливки (отмывки) было принято наложение акварельных мазков с натеками и каплеобразными включениями в сочетании с сильно и свободно проведенными контурами.

Период конструктивизма внес совершенно новое веяние, как в проектировании, так и способ передачи проектной мысли. К этому времени относится начало художественного конструирования в Западной Европе и в Российской Федерации. Упадок субъективно-импрессионистской тенденции в изобразительном искусстве не мог не сказаться на проектной графике, как в области архитектуры, так и предметов промышленного искусства. Распространенной стала аксонометрия, дающая объективную информацию о внешней форме предмета. Графика отличалась контрастами белого и черного, подчеркивания плоскостей, затемнением их краев и сильными рефлексами. Иногда плоскости заливались сплошь, причем использовался предлагаемый локальный цвет предмета или сооружения.

Имеющая давние традиции архитектурная проектная графика «первична» по отношению к художественному конструированию промышленных изделий и часто была предметом подражания, хотя промышленный дизайн имеет ряд принципиальных отличий от архитектуры. Архитектура имеет дело с заданной конкретной средой, ситуацией, окружением. Архитектурные объемы не только вписываются в среду, становясь неотъемлемой его частью, но и сам может сообщить ей эмоциональную окраску. Предмет дизайна, как правило, не привязан к определенному месту. Объект проектирования дизайна несравним с архитектурными объемами и по своей реальной величине. Поэтому, архитектурные проекты, выполняются в масштабах 1:100, 1:200, 1:500, а дизайнерские проекты – соответственно в масштабах 1:1, 1:2, 1: 5, 1:10. Разница в масштабах предопределяет и проработку поверхности предмета проектирования, а также материала их которого он изготавливается. У дизайнера имеется широкий выбор выразительных средств в передаче материала. Имеются различия и в методике работы над проектом в сфере художественного конструирования и архитектуры. В разное время, разные художники использовали приемы графического изображения, которые также применяются и в современной графике, где главными графическими приемами является схематизация, выявление композиционно- конструктивных основ, принцип обобщения формы.

В рисунках итальянский художник 16 века Л. Камбьязо для решения пространственного положения фигур, использует прием упрощения сложных форм до простых геометрических объемов. У Татллина В. динамика кубистических форм достигается композиционной трансформацией объекта. В рисунках Ф. Леже композиционная задача решается графическим обобщением форм. Неисчерпаемым источником вдохновения, споров, отрицания, подражания является искусство авангарда 20-х годов. В работах известных художников и архитекторов, таких как: Л. Лисицкий, А.Родченко, В. Татлин, К. Малевич, К. Мельников, Я. Чернихов и др., можно увидеть мастерское владение всеми приемами проектной графики.